Dino et la fin d’un monde

Dino et la fin d’un monde
Eric Pessan
Théâtre l’école des loisirs 2021

Un lanceur d’alerte à la fin du crétacé

Par Michel Driol

L’originalité de cette pièce est qu’elle met en scène des diplodocus. L’un d’eux, Dino, indique au troupeau que, durant la nuit, il y a eu une explosion, que la terre a tremblé, et qu’il fait plus sombre que d’habitude. Personne ne veut l’entendre, les enfants ont peur de ce qu’il dit. Puis il remarque d’autres choses anormales, les signale, et se fait bannir du troupeau. Accompagné de son amie Dina, il tente une dernière fois de convaincre le troupeau de partir au loin. Mais celui-ci est aveugle, jusqu’au moment où la catastrophe survient. Dino et Dina nagent dans l’espoir de trouver une ile où perpétuer leur espèce…

A travers cette fable grinçante, Eric Pessan évoque bien sûr les lanceurs d’alerte d’aujourd’hui, mais aussi la possible disparition des hommes sur la terre. Dino est un diplodocus quelque peu différent des autres : il entend se servir de son cerveau, réfléchir, et pas seulement se contenter de vivre comme on l’a toujours fait. Ce faisant, il se heurte au troupeau, et à son chef, élu pour ses trois qualités : être paisible, savoir trouver les bonnes forêts, et dormir…  Confiants dans leur taille, leur force, les diplodocus se croient invincibles, comme l’homme du XXIème siècle, persuadé que son intelligence le sauvera de tous les périls. Le lecteur, ou le spectateur, anticipe la fin de l’histoire dès le début, à travers le titre, mais aussi grâce à sa propre connaissance sur l’extinction des dinosaures. Cette supériorité qu’il a par rapport aux personnages lui permet dès lors de mieux percevoir dans les comportements des membres du troupeau ce qu’il y a d’inconscience, mais aussi de le rapporter à la situation de l’homme contemporain face aux menaces climatiques, aux lanceurs d’alerte qui ne sont pas crus jusqu’à ce que la catastrophe arrive. Ce dispositif dramatique montre alors toute sa pertinence pour faire prendre conscience de l’urgence qu’il y a à agir aujourd’hui. Le propos est tenu sans didactisme, avec des personnages bien caractérisés, même s’ils conservent l’apparence de dinosaures : Dino, l’inquiet insomniaque, sa compagne Dina, qui veut profiter de la vie, son ami Didi, et Docus, le chef incompétent du troupeau se détachent sur d’autres personnages : un enfant et sa mère, un vieillard un peu infirme… Le tout est rythmé, efficace, et entrecoupé de chansons pleines d’entrain. On apprécie aussi les remarques acides et drôles des diplodocus par rapport aux autres dinosaures, comme les T Rex, ou leur façon de se situer dans la chaine de l’évolution, ainsi que leurs interrogations sur ce qui restera d’eux…

Une farce tragique pour mieux comprendre l’urgence climatique.

Œdipe schlac ! schlac ! + Carnet de théâtre

Œdipe schlac ! schlac ! + Carnet de théâtre
Sophie Dieuaide
Casterman Poche 2002 – 2020

Quand Œdipe remplace Godzillor…

Par Michel Driol

Ne voulant pas que, pour la pièce de fin d’année, les élèves jouent le retour de Godzillor, la maitresse leur propose de jouer Œdipe roi. Tandis qu’elle leur raconte la pièce, ils en improvisent les dialogues, dans une langue jeune et contemporaine assez éloignée de la langue de la tragédie grecque.  On suit donc le projet théâtral de sa conception à la représentation, en passant par la confection des costumes, des décors, des programmes.

Le petit roman de Sophie Dieuaide, dont le narrateur est un des enfants de la classe, ne manque pas d’humour. D’abord par la langue, vigoureuse, imagée. Ensuite par la vision qu’offrent les enfants de la tragédie, leur façon de représenter – et de représenter –  l’Antiquité en fonction de leurs connaissances du monde actuel. Les anachronismes se multiplient donc, pour le plus grand plaisir du lecteur. Enfin parce que cette classe est un microcosme du monde du théâtre, avec ses codes, ses relations, ses métiers, le tout vu à hauteur d’enfant capable aussi d’avoir un trou de mémoire, et le trac !

Cette édition est enrichie d’un carnet de théâtre, véritable guide pour jouer la pièce. On retrouve le même narrateur que dans le roman, et on a une série de fiches pratiques pour les costumes, les décors, les accessoires en plus du texte complet de la pièce. On a en plus quelques trucs anti trac… Ce carnet, tout en permettant la mise en scène du texte,  est aussi plein d’humour et repose sur une adresse du personnage aux lecteurs, comme autant de suggestions, de conseils pour aller au bout de l’entreprise.

Un texte drôle pour évoquer l’un de nos mythes fondateurs les plus tragiques.

La foule, elle rit

La foule, elle rit
Jean Pierre Cannet
Théâtre Ecole des loisirs 2010

Clown sans frontière

Par Michel Driol

Neuf tableaux pour évoquer le destin de Zou et de ses deux frères. Dernier d’une fratrie de trois, Zou part aussi tenter sa chance en Europe.  Neuf tableaux dans lequel ses frères lui racontent leur mort, l’un sur un bateau, l’autre dans le tunnel sous la Manche, neuf tableaux où on voit sa mère lui tricoter son costume de clown, car à quoi bon être invisible pour passer les frontières ? Neuf tableaux qui culminent à la mort de la mère, tandis que Zou remet son nez rouge…

On sait bien qu’au théâtre la mort rôde toujours entre les pendrillons. Ici, le théâtre est un moyen de mettre en relation les vivants et les morts, l’ici et l’au-delà. Voilà une façon sensible et originale de parler des migrants, sans pathos, à travers les récits d’une famille détruite par l’exil. Le personnage du clown fait rire, là où il voudrait pleurer. La foule rit tandis que le drame se déroule, et le clown lui-même est condamné à rire. Façon de parler de la société du spectacle, du pouvoir aussi de la parole, car Zou répète sans cesse que c’est le dernier qui parle qui a raison. Et c’est lui qui a le dernier mot : comme une invitation à espérer et à vivre, en portant en soi le souvenir de la tendresse de tous ceux qui sont morts.

Un pièce sensible et originale sur un thème actuel.

Va te changer !

Va te changer !
L’Atelier du Trio : Cathy Ytak, Thomas Scotto, Gilles Abier
Editions du Pourquoi pas ? 2019

La journée de la jupe

Par Michel Driol

Le jour où Maïa présente les parents de son petit ami à sa famille, son frère, Robin, scolarisé dans le lycée où elle est surveillante, descend habillé d’une jupe qu’il a achetée à Londres. Et le lendemain, c’est en jupe qu’il se rend au lycée. Cet événement, le déclencheur d’une série de réactions diverses, va l’entrainer, ainsi que Jade, sa petite amie, et Selim, son meilleur copain, dans une spirale de haine et de violence qui ne les laissera pas indemnes… Chacun est-il libre de s’habiller comme il l’entend ? L’habit fait-il le moine ? Porter une jupe pour un garçon, cela fait jaser. Et les commentaires homophobes vont bon train au lycée.

Ecrit à six mains pour une lecture théâtralisée, le texte se divise en 10 tableaux, précédés d’un prologue et suivis d’un épilogue. Comme dans le théâtre classique, les trois unités sont quasiment respectées : une ville, une journée, une action. Ceci confère de la densité au texte, qui procède à la fois du récit, du dialogue, et du monologue intérieur. Quelques personnages se détachent : deux professeurs, dont l’un s’avère être un modèle positif de tolérance et de bienveillance. Jade, l’amoureuse, qui accepte la tenue de Robin, et dont les réflexions montrent un esprit curieux ouvert sur les problématiques du monde actuel. Nolan, le bad boy de la bande, homophobe, qui s’oppose à Selim, le bon copain. Robin, enfin, personnage principal qui prend en charge les monologues du prologue et de l’épilogue. L’une des forces de ce texte, c’est d’être dans l’action et de ne pas révéler, avant l’épilogue, les motivations de Robin. Dès lors le lecteur ne peut que s’interroger sur ce qu’il cherche. À transgresser des normes ? À provoquer ? À faire rire ? Le sait-il lui-même ? Il est embarqué dans une histoire qui le dépasse, mais qui met en jeu, au-delà du regard des autres, l’identité qu’il recherche et que cherche avec lui le lecteur. Ce n’est pas pour rien que l’épilogue reprend, vers sa fin, l’intégralité du prologue, qui tourne autour des verbes connaitre et reconnaitre. Peut-on connaitre quelqu’un si on ne le reconnait pas parce qu’il a changé d’habit ? Notre identité se réduit-elle à notre apparence ? Qui sommes-nous réellement ?

Un texte remarquablement écrit, touchant et juste, qui interroge le droit de chacun de vivre sa vie comme il l’entend et propre à ouvrir le débat sur les stéréotypes de genre et les préjugés.

Babïl


Babïl

Sarah Carré
Editions théatrales Jeunesse 2019

Parler ensemble ?

Par Michel Driol

Deux personnages, Tohu et Bohu. Le premier, confiant, est à l’aise avec la parole. Le second hésite, commet des lapsus, des inversions. Tous deux entreprennent de raconter une histoire : pour ne plus rester seuls,  les habitants du pays du Lointain décident  de bâtir une tour, Belba, une tour qui les rassemblera. Mais les choses s’enveniment tant à Belba, où l’on ne veut pas écouter la petite voix sage de Sanaë,  qu’entre Tohu et Bohu qui en viennent à se séparer. Mais une fin heureuse réconcilie tout le monde, tant à Belba que sur le plateau du théâtre.

En Hébreu, tohu signifie le désert, et bohu vide. Ensemble, les deux mots renvoient à l’état du monde au moment de la création. En français, bien sûr, l’expression signifie agitation confuse.  Le titre renvoie aussi bien au langage enfantin, le babil, qu’à la séparation des langues à Babel. Voilà une pièce qui parle des origines et qui revisite certains mythes bibliques, celui du commencement – la Genèse-, celui de Babel, mais pour en faire une joyeuse histoire sur la parole. A l’image de Tohu et Bohu, nous sommes fondamentalement inégaux devant la parole : pour de raisons sociologiques, psychologiques. Ce qui peut être traumatisant dans l’enfance. Or, prendre la parole, c’est prendre le pouvoir. Mais parler, c’est prendre un risque, celui d’être jugé par l’autre. Discuter, c’est accepter de partager la parole, de faire place à toutes les voix, fussent-elles dissonantes, malhabiles, fluettes. C’est cette problématique qu’illustrent  Tohu et Bohu, dans une joyeuse parodie biblique de la Genèse :  la pièce de théâtre qui se fait devant nous étant acte de parole. Le monde est théâtre et le théâtre est monde, monde de parole, n’existant que par la parole qui fait exister, dans le récit, des personnages secondaires, Sanaë, Maël le puissant, Pourchi…  Ne pas écouter l’autre, se moquer de lui, de ses défauts d’élocution, c’est aller à la rupture, et c’est ce que fait Tohu. Mais séparés, isolés, les deux personnages éprouvent le manque de l’autre, le silence et la solitude qui les contraignent à s’accepter tels quels au nom de leur amitié.

Une pièce optimiste, divisée en six ou sept séquences, sur l’émergence et le partage de la parole, le parler-ensemble, écrite dans une langue vive et évocatrice et qui invite à lutter contre le tohu-bohu du monde.

Anissa / Fragments

Anissa / Fragments
Céline Bernard
Editions Théâtrales jeunesse 2019

Fini la docilité

Par Michel Driol

Une classe de lycée, d’où se dégagent quelques individualités : Sandrine qui vit chez sa grand-mère, faute d’argent pour payer l’internat, Léa qui découvre l’amour et son identité sexuelle, Anissa, mineure isolée sans papier, qui, à la suite d’un test osseux, est menacée de devoir quitter le territoire. Que faire face à ce cas ? Ne pas s’en mêler ? Lui venir en aide ? A l’heure où l’on doit faire des vœux sur une fiche d’orientation, engager sa vie, s’engager tout simplement.

Céline Bernard propose un texte fort, issu d’une commande d’écriture pour un groupe d’adolescents dans un atelier théâtre. Elle réunit ainsi un chœur d’ados, qui peut aussi jouer tous les autres personnages (la prof principale, des parents, une éducatrice, un médecin, des policiers…). Le texte fait alterner des scènes chorales (chœur à géométrie variable, laissant grande latitude pour la distribution) et des scènes plus dialoguées de façon classique. Les scènes chorales sont écrites dans une langue poétique et métaphorique particulièrement travaillée : rythme, longueur des « répliques », faisant alterner doutes, certitudes, inquiétudes et injonctions diverses dans la scène d’ouverture construite autour des réactions face à la fiche d’orientation et ce qu’elle engage de futur et d’interrogations. Les scènes dialoguées plongent dans des univers extrêmement variés : scène de petit déjeuner familial, interrogatoire d’Anissa par la police ou le médecin… Mais, même dans ces scènes, le chœur d’ados n’est jamais loin.

Le texte est découpé en quatre mouvements porteurs de la dynamique de la pièce : disparaitre, subir, désobéir, s’enflammer, construisant ainsi comme la naissance d’une prise de conscience et d’un être différent au monde que l’on voudrait changer et dans lequel des solidarités nouvelles sont possibles.

Fragments, cela renvoie à la technique dramatique parfaitement maitrisée : des scènes courtes et des histoires individuelles déconstruites, apparaissant en lambeaux et laissant au spectateur et au chœur le loisir d’établir les liens dans ce qui apparait quelque part comme une enquête à partir de la disparition d’Anissa dont on découvre quelques épisodes de la vie : la mort de la grand-mère, qu’elle va enterrer seule, le voyage – cheveux rasés pour se faire passer pour un garçon – les hôtels, et, pour finir, la brutalité et la violence des interrogatoires médicaux et policiers.

Rien de manichéen dans ce texte : les ados ne sont pas unanimes quant à la nécessité de la solidarité envers Anissa, les adultes sont positifs, comme la prof principale, dépassés comme l’éducatrice, protecteurs comme les parents, trop zélés et sûrs d’eux comme le médecin.

Un superbe texte très contemporain dans sa forme et dans sa langue, mais aussi quant à ce qu’il dit de notre époque, pour évoquer une problématique très actuelle, avec beaucoup d’humanité, un texte finalement optimiste et plein d’espoir dans la jeunesse et sa capacité à se mobiliser et à faire preuve de maturité et d’enthousiasme.

 

Tout ça tout ça

Tout ça tout ça
Gwendoline Soublin
Editions espaces 34, 2019

Face au chaos du monde

par Anne-Marie Mercier

Le catastrophisme ambiant, qui dit que la planète est perdue que les guerres se font de plus en plus cruelles, et que les hommes sont de plus en plus malheureux atteint également les enfants : confrontés au flux incessant d’informations, ils désespèrent… ou bien ils agissent.

Chalipa (huit ans), constatant avec la baby-sitter que son frère Eshan (12 ans) n’est pas dans sa chambre, hésite entre deux hypothèses. La première, confortée par le petit Nelson (4 ans) qui passait par là, serait que Eshan s’est enfermé dans le bunker de survie créé par leur père au fond du jardin. Sam, la baby-sitter, en a refermé par mégarde la trappe d’accès : seul Eshan peut l’ouvrir, de l’intérieur.

Après l’arrivée de Salvador (14 ans), chacun, avec son âge et son caractère veille devant cette trappe pour faire sortir le garçon et parle pour le convaincre de sortir, lui dire que la vie est pourtant belle aussi, qu’on l’aime et le comprend. Les dialogues brefs et toniques du début (hurlements de solitude et de colère de Chalipa, bredouillements de Nelson, agacement de Sam) laisse la place à un temps de monologues croisés, avec une belle disposition sur la page, en colonnes aérées ponctuées parfois de silences chez l’un ou l’autre.

La solution du mystère arrive par les informations télévisées : on y découvre qu’Eshan s’est rendu tout seul en Normandie où il a commencé à creuser une tombe pour une baleine qui s’y était échouée : il a donc décidé d’agir, sinon pour ‘sauver la planète’, du moins pour faire réagir les adultes. Cette pièce tombe à point nommé; elle prend en considération l’angoisse de nombreux enfants face à un flux d’informations qui donne à voir un « chaos du monde  » (propos de l’auteure dans une interview où elle explique la genèse de son projet et le travail fait avec des enfants sur ce thème). Elle traite le problème sans dogmatisme, avec sensibilité, à travers des personnages bien typés, tant par leur langage que par leur comportements.

L’autre nuit au milieu des arbres

L’autre nuit au milieu des arbres
Lancelot Hamelin
Editions espaces 34 – Théâtre jeunesse 2018

En dehors du chemin, c’est plus intéressant

Par Michel Driol

Autour du Petit Héros, personnage principal et omniprésent, gravitent trois personnages : l’amimaginaire, le grand-père, le voisin. Dans une courte première partie, l’amimaginaire fait pénétrer le petit héros au-delà des bornes du chemin dans des maisons qui semblent s’emboiter les unes dans les autres. Puis, dans une deuxième partie, le grand père et le voisin évoquent la nuit qui tombe, et le petit héros découvre la signification de Fée Nomen. La troisième partie est un monologue du Petit Héros, adressé à l’amimaginaire : la nuit du Onge, où il est question du périple dans la forêt, des loups, du monstre, le Onge, qui l’emmène. Enfin, une quatrième partie, Est-ce que ça peut finir comme ça ? reprend le dialogue initial entre le Petit Héros et l’amimaginaire, sauf que, cette fois-ci, les rôles et les répliques sont inversés.

La pièce aborde de nombreux thèmes liés à l’enfance : la filiation et la transmission, l’envie de sortir du chemin tout tracé, de franchir les bornes, et les peurs. Dans un univers imaginaire davantage construit par la parole que montré sur scène, ces thèmes se croisent et se tissent pour construire progressivement l’identité du Petit Héros : il n’a pas de nom, se revendique comme un je et non comme un on, se définit par ses peurs. L’univers est celui des contes, petite maison dans la forêt, arbres, loups, monstres dévoreurs. Tout ici est jeu : jeu avec les mots, quand les adultes croient sérieusement que la nuit tombe, jeu avec l’identité, jeu avec le double qu’est l’amimaginaire, jeu avec les peurs, jeu aussi avec le théâtre car le Petit Héros se donne explicitement comme personnage de théâtre, sait qu’on est au théâtre et évoque le lieu même du théâtre, qui risque aussi d’être dévoré par les monstres. Mais ce jeu est celui des enfants, c’est-à-dire un jeu auquel on joue sérieusement.

La pièce parle donc du théâtre, boite noire, lieu de tous les possibles, lieu qui donne à voir au spectateur un double de lui-même, lieu de la parole et du merveilleux, de la magie, lieu où les peurs et les obsessions peuvent être dites et le monde convoqué par le simple pouvoir du verbe.

 

 

 

 

Hématome(s)

Hématome(s)
Stéphane Bientz
Editions Espaces 34 Théâtre Jeunesse 2018

Bord de mer et griffes de dragon

Par Michel Driol

Trois enfants au bord de la mer. Tom, garçon peureux, dont le père est guetteur sémaphorique. Dilo, fille de pêcheur, énergique et intrépide. Et Ema, presque mutique, la nouvelle venue, dispensée d’éducation physique, qui traine une poupée informe, et dont la mère est actrice de cinéma. Alors que Tom et Dilo habitent sur le continent, Ema habite une ile qu’on ne peut rejoindre à pied qu’à marée basse. Etrange trio, trois solitudes entre la plage et l’école, jusqu’au moment où Ema disparait. Dilo et Tom vont alors sur l’ile, font la connaissance de son père, sympathique orfèvre fumeur de cigarette, qui leur annonce qu’Ema est partie sur un tournage avec sa mère. En plein orage, ils découvrent qu’Ema est sous le pouvoir de son père-dragon et ils vont la libérer.

On a là quelques éléments qui feraient penser au Club des Cinq : le bord de mer, une toponymie et une géographie que ne renierait pas Enid Blyton : l’ile du Creux du Diable, les falaises, les passages  accessibles à marée haute, les caves et souterrains, la fillette intrépide. Mais là s’arrête le parallèle avec le Club des Cinq, car l’imaginaire et la langue de Stéphane Bientz sont bien plus complexes, plus riches et plus inquiétants que ceux d’Enid Blyton. Comment parler au théâtre de la maltraitance  enfantine, des pères abusifs – voire de la pédophilie ? Par les images, et d’abord en montrant Ema, prostrée, attachée à sa poupée et à l’image maternelle, solitaire, enfant dont on perçoit la singularité, mais sans savoir à quoi l’attribuer. Ensuite par le recours au conte et aux images du dragon incarnant le père, dragon qu’il faut terrasser par le pouvoir de la musique afin qu’il ne nuise plus. Et la fin de la pièce entraine dans un univers merveilleux fait d’or et de pierres précieuses, de dragon et de cygne, permettant à Tom de se révéler comme garçon courageux et de rétablir l’harmonie. Tout est alors à réécrire, réinventer, recommencer entre les trois enfants. Et surtout par le recours au récit, qui laisse à chaque spectateur le pouvoir d’imaginer.

Le titre renvoie au corps meurtri et, par homophonie, reprend le nom de deux des personnages, Ema et Tom. Le texte est écrit dans une langue particulièrement travaillée, poétique et inventive, moins dans le lexique que dans la syntaxe : répétitions, énumérations, reprises, ruptures. Par ailleurs, les enfants se disent et se racontent autant qu’ils agissent ce qui contribue à installer l’univers de la parole des enfants comme un univers singulier dans lequel dire compte autant que faire. Il faut nommer et dire les choses pour les maitriser. Et ce n’est pas pour rien que le père d’Emma est nommé le papapa…

Un texte qui montre que grâce à l’imaginaire le théâtre jeunesse peut aborder les problématiques les plus sombres.

L’Arbre boit

L’Arbre boit
Christophe Tostain
Espace 34 (Théâtre jeunesse), 2015

Le théâtre des saisons

Par Anne-Marie Mercier

Deux « personnages », deux conteurs, pour cette courte pièce en trois saisons (printemps, été, automne) précédées d’un prologue et suivies d’un épilogue (l’hiver). Les deux voix sont celles de Vieille Racine et de Jeune Branche.
La première est soucieuse : elle sait les dangers qui guettent l’arbre et qui l’attaqueront : incendie, orages, sècheresse, hiver… Elle tente de répondre aux demandes de tous, feuilles et branches, tout en mettant un peu d’eau de côté pour les temps difficiles. La deuxième est l’insouciance même, elle attend l’hirondelle, le vent, le soleil, rêve de voyages…

Tout en mettant en scène un dialogue entre un être âgé et une jeune tête brûlée, cette fable est aussi une image de la vie végétale, une « leçon de choses », donc, simple et tragique.