Simon la Gadouille

Simon la Gadouille
Rob Evans
Traduit de l’anglais par Séverine Magois
L’Arche, 2012

Par Clara Adrados

Dans cette pièce de théâtre on suit l’histoire de Martin, histoire somme toute banale : celle d’un enfant, le nouveau de sa classe, un peu perdu, un peu seul, qui va se lier d’amitié avec l’autre nouveau de la classe, Simon.

L’histoire se passe dans une école primaire, les enfants se cherchent, se chamaillent… Martin est la risée de ses camarades qui s’empressent de se moquer dès qu’une légère différence pointe son nez chez l’un de leurs camarades. Pour Martin, c’est le fait de venir de Birmingham et peut-être d’être un peu timide, en manque d’attention. Simon le sauve et lui permet de rêver, de rire, de s’inventer une vie qui lui correspond, où les moqueries glissent sur lui. Jusqu’au jour où Simon tombe dans la boue et se ridiculise devant tout le monde. Martin ne réagit pas, ne va pas vers son ami pour l’aider. Et c’est le surnom de « Simon la Gadouille » qui poursuit le pauvre garçon où qu’il aille. Les enfants répètent en chœur ce surnom. Le lecteur ressent alors l’oppression à laquelle la victime doit faire face. La narration constituée de très peu de dialogue contribue à rendre ce sentiment d’envahissement, d’étouffement subi par Simon. Peu de mots sont dits, peu de dialogues mais des chuchotements incessants qui constituent une rengaine malveillante dans sa vie. Martin est déchiré entre la culpabilité de renier son ami, et l’envie de faire partie du groupe des « populaires », de ceux à qui on ne donne pas de surnoms dégradants. Il choisira l’entente avec tout le monde plutôt que de garder son ami d’enfance. Les années passent et Martin souhaite revoir son vieil ami. La culpabilité et la peur de le retrouver et de voir qu’il ne lui a toujours pas pardonné hantent ce quarantenaire. Les deux hommes se donnent rendez-vous pour se revoir : une façon de retrouver un vieil ami ? Un moment propice aux excuses, au pardon ? Ou un instant pour se redécouvrir, adulte, dégagé de ces schémas de martyr / groupe dominant ?

Le lecteur peut se faire sa propre fin.

Cette pièce aborde avec justesse un sujet précieux pour les enfants scolarisés : le harcèlement à l’école. Martin semble avoir autant souffert que Simon de cette situation, même s’il a intégré le parti des harceleurs à un moment donné. Cela a détruit une part de lui-même pour que trente ans plus tard il ne se le soit toujours pas pardonné. Le personnage de Martin faisant office de narrateur, nous n’avons pas le point de vue de Simon, et cela donne toute sa force au texte. Simon accepte de revoir son vieil ami et on peut imaginer que ce dernier a bien réussi dans la vie, qu’il s’est construit malgré les maux auxquels il a été soumis, peut-être même que sa force vient du fait de ne s’être jamais plié à ses bourreaux. Une pièce qui ne laisse personne sur le côté : bourreau, martyr … Une ligne facile à franchir.

Les Trois Petits Cochons

Les Trois Petits Cochons
Noëlle Revaz, Haydé

La Joie de lire, 2015

Au loup !

Par Anne-Marie Mercier

trois_petits_cochons_rvb2Dans ce texte, écrit pour le théâtre pour quatre à cinq personnages plus une voix, on rejoue la fable des petits cochons. L’incertitude sur le nombre de quatre ou cinq tient au fait que la mère joue aussi le rôle du loup et est organisatrice cachée du jeu : en début du récit, elle annonce aux enfants qu’ils partent seuls en vacances sur une île car elle est trop occupée à se peindre les ongles (le lundi en blanc, le mardi en violet, le mercredi en bleu…) ou à se parfumer chaque jour avec un parfum de fleur différent (le lundi la pâquerette, le mardi la violette, le mercredi la clochette…). Tout le texte est marqué par des effets de listes, de  reprises et variations et en est ainsi très joueur et rythmé.

Les enfants jouent le conte en attendant un loup qui se fait attendre puis est peu enthousiaste, ce qui endort leur méfiance, avant de ressembler enfin à celui de la tradition, leur procurant une grosse peur… dégonflée brutalement.

Ils se comportent comme des petits cochons (avec le plaisir de se rouler par terre et de se salir), et en fonction de leurs âges différents : le plus jeune craintif et écervelé, l’aîné meneur mais prudent, le troisième… entre les deux). C’est une très jolie variation sur ce conte bien connu et un texte savoureux, accompagné de dessins expressifs et drôles.

A perte de vie

A perte de vie
Jacques Prévert
Folio Junior Théâtre

Jacques Prévert, ou l’insolence !

Par Michel Driol

apertedevieSous ce titre sont réunies quatre pièces de théâtre de Jacques Prévert. La première, la plus longue,  le Tableau des merveilles, est une adaptation d’un intermède de Cervantès, réalisée par Prévert pour Jean-Louis Barrault en 1935. Une troupe de comédiens s’installe sur la place d’un village, et propose un spectacle que seuls les vertueux pourront voir… C’est l’occasion pour Prévert de concocter une savoureuse satire sociale ! La seconde, Entrées et sorties (Folâtrerie) met en scène une hécatombe dans le salon cossu d’un château. Dans la troisième, En famille, un fils avoue à sa mère qu’il vient d’assassiner son frère, et elle lui avoue avoir elle-même assassiné leur père. Quant à la dernière, A perte de vie, elle fait se succéder, d’une église aux objets trouvés, puis à la fourrière, quelques personnages qui ont perdu la vie, la vue, leur chien…

Voilà du grand Prévert, irrespectueux, insolent et cocasse. Le rire est toujours grinçant, que ce soit le rire face aux prétentions des puissants dans la comédie sociale qu’est le Tableau des merveilles ou face à la mort, qui rôde toujours, au théâtre, entre les pendillons. Le comique nait des situations les plus absurdes qui, par un tour de passepasse langagier, sont acceptées comme normales et allant de soi par les personnages.

Un remarquable cahier de mise en scène, proposé par  Cécile Bouillot, à la fois replace le théâtre de Prévert dans son époque et fait des propositions concrètes pour aborder la mise en scène des quatre textes : personnages, mise en espace, décors, musique…

Un ouvrage qui incite à relire Prévert, toujours aussi moderne !

 

Le Gobe douille

En passant
Raymond Queneau
Gallimard jeunesse (folio), 2000

Le Gobe douille
Roland Dubillard
carnet de mise en scène de Felicia Sécher
Gallimard jeunesse (folio), 2013

Par Anne-Marie Mercier

En passantUn couloir de métro, un couple chargé de bagages, un mendiant, une mendiante… cela suffit pour créer des dialogues loufoques, existentiels, poétiques et des rebondissements perpétuels, en somme « Un plus un acte pour précéder un drame« . Lorsque Irène et le passant égrènent les images du bonheur à deux qu’ils espèrent, le texte s’envole ( « il n’y aura plus de soirs d’été ni de matins d’hiver et nos couchers de soleil auront lieu vers midi, invraisemblablement … tu seras ma sandale ailée, mon tapis volant, mon langage magique…). Lorsque Etienne interroge la passante sur la météo, il reste terre à terre pour mieux nous surprendre.

Jeux de langage, situations vaudevillesques, tout est bele et bon dans cette petite pièce peu connue de Queneau. Elle est ici accompagnée d’un livret de mise en scène qui livre les clefs de la pièce, « bâtie comme une petite opérette ».

Le recueil de huit diLe Gobe douillealogues de Roland Dubillard intitulé « Le Gobe douille » est lui aussi accompagné d’un carnet de mise en scène. Il propose des exercices de mise en voix, d’improvisation, bien utiles pour ce type de texte où l’absurde des situations met en valeur la force des mots et des rythmes.

A noter principalement, « Au restaurant », qui propose une carte vertigineuse, et « Dialogue sur un palier » où l’on cause longuement de pied, (le gauche, celui qui craque).

Pas à vendre !
Isabelle Rossignol

L’école des loisirs (théâtre), 2012

Ravisseur d’enfants *

Par Anne-Marie Mercier

Cette courte pasavendrepièce en cinq scènes et cinq personnages est un bel exemple de ce que peut le théâtre pour la jeunesse et des voies qu’il emprunte.

Une fille de 11 ans, Iris, suit une femme, Viviana, qui l’attire avec de l’argent et des promesses de château et d’or pour l’abandonner dans une rue sombre d’un quartier pauvre de la ville. Ce schéma réaliste et un peu glauque est déplacé par une suite qui montre Iris prête à vendre ce qu’elle a pour retourner chez elle : sa peur, ses jambes, sa voix… Si l’on songe à une version plus cruelle encore de la petite sirène, et sans prince aucun, cette impression s’éloigne avec l’épisode suivant où Iris, momentanément sauvée par un personnage « simple », retombe dans la même erreur que celle qui l’a perdue, son incapacité à dire non.

Viviana la fée ou la sorcière est l’image de la tentation, Albert le sauveur est un pédagogue, et Iris, l’éternelle enfant à la fois désobéissante et soumise, est l’image d’un jeune spectateur qui passe de l’effroi à la réflexion puis au rire soulagé. L’importance de savoir dire « Non » pour sauver l’intégrité de sa personne est ici bien démontrée, sans qu’il soit besoin de loup ni de sorcière.

* un clin d’oeil à l’ouvrage de Maurice Yendt publié sous ce titre sur le théâtre pour la jeunesse.

http://www.letheatre-narbonne.com/cpjp/01-02/bio/mauriceyendt.html

Livre sélectionné par le Ministère de l’Education nationale

La Cantine de l’amour

La Cantine de l’amour
Krisitan Hallberg
Traduit (suédois) par Camilla Bouchet
L’Arche (théâtre jeunesse), 2013

L’ABCD… des sentiments

Par Anne-Marie Mercier

La Cantine de l’amourRoland, qui sert à la cantine, est quitté par son compagnon, Bart. Tout en servant les enfants il repense à cet amour perdu, à ce qu’il n’aurait pas du – ou surtout à ce qu’il aurait dû – faire et dire. Quatre enfants se détachent, que Roland observe et grâce auxquels il arrive à composer un alphabet des sentiments :  A comme Ascète, B comme Besoin, … G Comme Gaga…, O comme ouragan, P comme parler…, Z comme Zinzin.

Deux des enfants sont « ensemble », et ne le seront plus peu après ; deux autres se cherchent ; un garçon découvre qu’il aime son ami plus que son amie, une fille qu’elle aime l’amour plus que son amoureux. Ces « fragments d’un discours amoureux » inspirés par le livre de Barthes sont énoncés en termes simples et bouleversants de justesse. Tout cela dans un cadre ordinaire : l’aventure des coeurs est partout et la poésie vient avec.

Bien sûr, ceux qui se sont élevés à tort contre le bien gentil ABCD de l’égalité trouveront ici du grain à moudre : l’amour, tout l’amour est ici beau et unique : pas de sexe, non, pas de théorie du genre non plus, mais des corps, des mots, et un sentiment, unique et multiple, qui fait battre tous les coeurs.

Cette pièce a fait l’objet d’une diffusion radiophonique en Suède.

Sous l’armure Catherine Anne

Sous l’armure
Catherine Anne
L’école des loisirs (théâtre), 2013

Sous l’armure, c’est une fille

par Anne-Marie Mercier

SouslarmureLa trame de la pièce est assez classique, du moins aujourd’hui : un seigneur part à la guerre, emmenant avec lui son fils adoptif qui n’aime pas se battre et laissant à la maison sa fille qui rêve d’être chevalier.

Echange d’identité,  combats et blessures, scène de reconnaissance, pardons… On n’est guère surpris mais charmé : les paroles simples et brèves des personnages, le style dépouillé contribuent à la poésie de l’ensemble.

Yukonstyle

Yukonstyle
Sarah Berthiaume

Éditions Théâtrales, 2013

Larger than life

Par Matthieu Freyheit

yukonstyleIls sont nombreux que le Yukon fascine, avec sa devise sur démesure. Ils sont moins nombreux qui trouvent les mots pour le dire, le traduire, dans ses espaces et ses violences. Sarah Berthiaume est de ceux-là, qui avec Yukonstyle donne au média de l’espace qu’est le théâtre de se pencher sur ce personnage-espace qu’est le Yukon. Huis-clos élémental entre le ciel et la terre, Yukonstyle met en scène quatre personnages polarisés par les puissances d’un territoire immense où la vie suit le cours qu’elle peut. Ni plus, ni moins. Yuko, l’émigrée japonaise. Garin, dont la mère disparue est une indienne. Kate, venue de l’autre versant du Canada se perdre – ou perdre quelque chose d’elle – dans le Yukon. Dad’s, père de Garin, malade et porté sur la bouteille. Une pièce courte, aussi fulgurante qu’éphémère, où tout naît et s’achève « dans la nuit cassante du Yukon ».

Théâtre ? Sans doute. Roman ? Peut-être. Poésie ? Certainement ! Yukonstyle a bien des personnages. Des dialogues. Des scènes et des décors, et quelques didascalies. Mais c’est avant tout une belle litanie récitée en hommage au sol auquel l’auteure offre son titre. Théâtre d’images littéraires, la pièce porte en elle les récits de London et de Curwood, les poésies de Robert William Service, tout en trouvant sa propre langue. Anglais québéquicisé ou québécois anglicisé, le langage de Sarah Berthiaume est tout à la fois profond et drôle, tragique et futile et, surtout, surtout, terriblement et désespérément beau. Apte à traduire les colères muettes de Yuko. Les colères aveugles de Garin. Les colères sourdes de Kate. Les colères hallucinées de Dad’s. Apte à traduire les forces en présence, ancestrales : celles du vent et du froid, celles du ciel et de la terre, celles du mystère et du chamanisme.

Une belle manière enfin, pour les enseignants, d’aborder une culture canadienne trop souvent oubliée. Singularités linguistiques, diversités culturelles, richesse du sentiment géographique, fascinations historiques des grands mythes, tout figure en palimpseste dans cette courte pièce où les bisons ne passent pas, mais leurs sabots résonnent.

La pièce a tourné en France au printemps 2013

 

Après grand, c’est comment ?

Après grand c’est comment ?
Claudine Galéa

Espace 34 (théâtre jeunesse), 2013

Titus ou la difficulté de grandir (pour les parents !)

par Sophie Genin

apresgrandEn 2008, Claudine Galéa avait écrit un très bel album, grand format : Au pays de Titus. Il ne devait pas devenir une pièce mais… c’est maintenant le cas ! Titus, le garçon qui se tait, traverse donc des scènes à la fois très quotidiennes et, en même temps, situées dans la tête de ce petit garçon très imaginatif, assis sur son escalier et qui rêve, sans faire de bruit, ce petit garçon qui entend les objets lui parler, de la soupe à la viande dans son assiette, en passant par son lit, les nuages, le vent, le lézard…

Nous entrons dans son monde, sur la pointe des pieds, spectateurs invités, nous le suivons et nous compatissons : qu’il est difficile d’être différent, surtout face à des parents prêts à tout pour le rendre « normal », comme le montrent ces quelques répliques :

« FINIS TON ASSIETTE

TU T’ES LAVE LES DENTS ?

TU AS MIS TON PULL A L’ENVERS

TU N’AS PAS LES MEMES CHAUSSETTES

TU N’AS PAS OUBLIE TON SLIP ?

Tu es trop lent Titus

Tu vas nous mettre en retard »

Ce à quoi Titus répond, avec toute la poésie tendre,légère et originale dont est capable Claudine Galéa :

« Les grands voudraient que je bouge que je m’agite

que j’esticule

Moi je m’assois sur l’escalier

Et je m’en vais (…)

Je nuage

Avec les nuages

Je papillonne

Avec les papillons

(…) Je foumille

Avec les fourmis

J’aire

Avec l’air

Je chemine

Et je chemin

Main dans la main »

C’est de cette façon qu’il faudrait découvrir ce très beau texte, main dans la main avec son héros si attachant, en attendant de le voir mis en scène ! Et si cette écriture vous plaît, vous irez lire les pièces jeunesse antérieures : L’Heure blanche et Toutes leurs robes noires ainsi que La Nuit MêmePasPeur et Petite Poucet.

Frankenstein

Frankenstein
Fabrice Melquiot
L’arche (Am Stram Gram), 2012

Fankenstein on the beach

Par Anne-Marie Mercier

Frankenstein Fabrice Melquiot« Il ne faut pas naître près des lacs
Les lacs sont dangereux
Il y a des malheurs au fond des eaux blanches
Avec les remords et les cailloux
Je le sais »

Mary Shelley crée le personnage de Frankenstein au bord du lac Léman, en 1816. Dans la pièce de « théâtre musical », on la voit faire émerger par ses évocations les ambiances, les lieux et les personnages. Incarnant plusieurs rôles, elle donne la réplique à Frankenstein, tandis que la parole est également donnée au monstre, nommé Beurk et incarné par une marionnette.

Complainte du mal aimé Beurk, dialogues entre Frankenstein et son ami à qui il confesse son crime, entre Frankenstein et sa fiancée qui mourra comme l’ami sous les coups vengeurs de la créature, commentaires de Mary sur son histoire, les voix se croisent et créent un chant d’une extrême mélancolie entrecoupé de rires. Sur ce fond sombre, l’exaltation de la création et la puissance de l’imaginaire mènent le jeu. Le texte est superbe, d’une grande poésie.